Гастрольные иностранные антрепризы

Иноземные гастролеры, приезжая в Россию, несли с собой не только профессиональное мастерство — они становились источниками развития духовной мысли, социального и творческого развития. В России актёрские труппы, как и актёры и музыканты-одиночки, часто обретали вторую родину, нуждающуюся в их творчестве. Итальянские, немецкие и французские труппы широко были распространены в XVII веке.

Петр I уже сам приглашал «иноземщину», понимая значение просвещенных и культурных европейцев для развития России. Театральное дело при высочайшем дворе, заглохшее с кончиной Алексея Михайловича, было возобновлено Петром I. Прежде всего он обратил театр из придворного в народный, для всех «охотных смотрельщиков». Театр был переведён из царских хором на Красную площадь (в то время доступ туда был открыт), где воздвигнута была особая «комедийная храмина».

Пётр желал сделать театр выразителем своих побед, но его немецкие комедианты оказались для этого дела непригодными.

Пётр был недоволен современным ему репертуаром. По словам Берхгольца, он требовал от актёров пьес, которые имели бы не более трёх действий, не заключали бы в себе никаких любовных интриг и были бы не слишком грустны, не слишком серьёзны, не слишком веселы. Он желал, чтобы пьесы шли на русском языке и потому хотел иметь комедиантов преимущественно из Польши, а не из Германии.

В эпоху Петра театральное дело развивалось также и в провинции. Так, 1705 годом датируются первые упоминания о театральных представлениях в городе Тобольске, где пропагандистом театра выступал местный митрополит Филофей Лещинский.

После смерти Петра Великого и его сестры царевны Натальи Алексеевны, страстной любительницы театра, театральное дело в России стало падать, что объясняется равнодушием к нему придворных сфер в царствование Екатерины I и Петра II: дворцовые спектакли стали весьма редким явлением. В Славяно-греко-латинской академии продолжались представления классических драм, которые получили и дальнейшее развитие, удалившись от схоластического направления прежнего духовного театра.

Дворцовый театр

Придворный театр

Придворный театр

Возникновение придворного театра было вызвано интересом придворной знати к западной культуре. Этот театр появился в Москве при царе Алексее Михайловиче. Первое представление пьесы «Артаксерксово действо» (история библейской Эсфири) состоялось 17 октября 1672 года. Вначале придворный театр не имел своего помещения, декорации и костюмы переносились с места на место. Первые спектакли ставил пастер Грегори из Немецкой слободы, актерами тоже были иноземцы. Позже стали в принудительном порядке привлекать и обучать русских «отроков». Жалованье им платили нерегулярно, но не скупились на декорации и костюмы. Спектакли отличались большой пышностью, иногда сопровождались игрой на музыкальных инструментах и танцами. После смерти царя Алексея Михайловича придворный театр был закрыт, и представления возобновились только при Петре I.

7) Театр Самозванцев. Покойничьи игры.

В систему таких похорон входят и многочисленные игры в

"покойника", "мертвеца", "умруна", в "смерть" и другие покойничьи

игры (по терминологии В. И. Чичерова). Вот описание одной из них.

"Состоит она в том, что ребята уговаривают самого простоватого парня

или мужика быть покойником, потом наряжают его во все белое,

натирают овсяной мукой лицо, вставляют в рот длинные зубы из брюквы,

чтобы страшнее казался, и кладут на скамейку или в гроб,

предварительно привязав накрепко веревками, чтобы в случае чего не

упал или не убежал. Покойника вносят в избу на посиделки четыре

человека, сзади идет поп в рогожной рясе, в камилавке из синей

сахарной бумаги с кадилом в виде глиняного горшка или рукомойника,

в котором дымятся горячие уголья, мох и сухой куриный помет. Рядом

с попом выступает дьячок в кафтане, с косицей назади, потом

плакальщица в темном сарафане и платочке и, наконец, толпа

провожающих покойника родственников, между которыми обязательно

имеется мужчина в женском платье, с корзиной шанег или опекишей для

поминовения усопшего. Гроб с покойником ставят среди избы, и

начинается отпевание, состоящее из самой отборной, что называется

"острожной" брани, которая прерывается только всхлипыванием

плакальщицы да каждением попа.

По окончании отпевания девок заставляют прощаться с

покойником и насильно принуждают их целовать его открытый рот,

набитый брюквенными зубами... Кончается игра тем, что часть парней

уносит покойника хоронить, а другая часть остается в избе и

устраивает поминки, состоящие в том, что мужчина, наряженный девкой,

оделяет девиц из своей корзины шаньгами -- кусками мерзлого конского

помета"

Эта игра, как и многочисленные ей подобные, хотя и записана

в XIX в., является очень древней. Трудно сказать, в каком виде она

входила в состав игрищ до их разложения, однако в XV-XVII вв.

подобные игры не многим отличались от тех, которые дошли до нас.

Не только, конечно, пародия и фарс были отличительными

чертами игр ряженых. Значительная роль принадлежала и принципу

"наоборот", "наизнанку". Тулуп выворачивается, шушун одевается

"вверх ногами", женщины рядятся мужчинами, мужчины -- женщинами,

притом молодые рядятся стариками и т. д. Отмеченный принцип ^шеет

место не только в костюмах ряженых, но и в действиях. "Старик"

пляшет как молодой, "старуха" -- кувыркается через голову. Легко

догадаться, что и в текстовой части игр выдерживался тот же принцип.

Вот одно из описаний игр ряженых, дающее хорошую возможность

проследить именно эту их особенность. "Когда в избах запылают лучины

или зажгутся сальные свечи, молодые парни, бабы и девки затевают

наряжаться. Наряды для этого маскарада очень недороги, и все нужное

под руками. Бабы одеваются стариками, парни старухами, девки

цыганками, и все-то подчас так оденутся, что просто ни на что не

похоже; но главных условий два: первое, чтобы нарядиться как можно

уродливее и смешнее, а второе, чтобы наряженного не скоро могли

узнать. Выворачивается шерстью вверх овчинная шуба, нередко сшитая

вперемежку из овчин черных и белых; за спину набивается солома,

представляющая горб; длинная, всклокоченная борода и всклокоченные

волосы подвязываются из пакли; вместо кушака, обрывок веревки, в

руках -- дубина, и старик готов. Иная баба ухитряется надеть шушун

руками на ноги, а полы подвяжет под шею^, иной молодец завернется в

дырявую и грязную дерюгу; другой, напялив на себя мешок, уберет

голову в мочалы или оденется домовым, чертом и т. п., и все-то

личины в этом роде; но вымыслам и конца нету, а потому исчислить все

наряды невозможно. Наряженные ходят по избам и, сообразно принятым

на себя личинам, говорят не своим голосом, шутят, острят и

возбуждают непринужденные, иногда чуть не истерические порывы

хохота. Войдя в избу и поприветствовав хозяев, наряженные поют и

пляшут, и пляски эти своим безобразием и изобретательностью

совершенно соответствуют нарядам. Старик выделывает удивительные и

преотчетливые фигуры ногами, но кончает тем, что от мнимого

изнеможения и усталости спотыкается и летит на пол вверх тормашками.

Иная сухая старуха, с угловатыми движениями, обыкновенно

разыгрываемая рослым детиною, сначала пляшет скромно и жеманно, но

потом пускается вприсядку или кувыркается через голову..."

Театр эпохи Петра 1

Общественное, государственное и культурное развитие России, начавшееся еще в XVII веке и подготовленное всем ходом истории, заметно ускорилось в связи с преобразованиями Петра I. Оно знаменовало наступление нового исторического периода.

Петр вел активную наступательную борьбу против засилья религиозной средневековой идеологии и насаждал новую, светскую.

Это ярко отразилось на общем характере и содержании искусств и литературы. Оплотом старой идеологии была церковь - Петр подчинил ее государству, отменил патриаршество, создал синод, состоящий из представителей высшего духовенства на царском жалованье и возглавляемый чиновником. Петр отменил литургические драмы, подчеркивавшие превосходство духовной власти над светской и содействовавшие возвеличению церкви. Он заложил основание светского образования, решительно ломал патриархальны быт, насаждая ассамблеи, а с ними "европейское обхождение", европейские танцы, и пр. Встречая сопротивление новизне, Петр вводил ее насильно. Результаты деятельности Петра в различных областях сказались в разное время, в театре, например, в полной мере лишь в середине XVIII века.

"Петровские потехи"

Для популяризации своих преобразований Петр прибегал к самым разнообразным средствам, но особенно серьезное значение предавал методам наглядного, зрелищного воздействия. Именно в этом стоит видеть причину широкого насаждения им "потех" (торжественных въездов, уличных маскарадов, пародийных обрядов, иллюминаций и т.п.), а также обращения к театру.

Остановимся прежде всего на так называемых "потехах", в которых агитационно-политическая роль зрелища выступила особенно отчетливо.

Первым опытом организации такого зрелища явилась "огненная потеха", устроенная на Красном пруду в Москве на масленице 1697 года по случаю взятия Азова. Здесь были впервые применены эмблемы, затем обычно вводившиеся в панегирические театральные представления Московской академии.

Старинный народный обычай святочного и масленичного ряжения Петр использовал в целях политической агитации в грандиозных уличных маскарадах.

Роль и значение маскарадов петровской поры не ограничивались внешней развлекательностью. Пышные торжества были средством политической агитации.

9) Школьный театр.

Однако более эффективным средством общественного воспитания Петр считал театр. Бассевич, один из современников, близких к Петру, писал: "Царь находил, что в большом городе зрелища полезны". Театр царя Алексея Михайловича преследовал политические цели, но орие-тировался на очень ограниченный круг придворных, между тем как пе-тровский театр должен был вести политическую пропаганду в широ-ких слоях городского населения. Это обусловило создание общедосту-пного театра. Петр хлопотал о привлечении в Россию на первое время таких актеров, которые владели бы если не русским, то хотя бы одним из близких к русскому славянских языков. Так, когда в 1702 году в Россию прибыли актеры немецкой труппы, им был задан вопрос, не могут ли они играть по-польски; когда в 1720 году Петр вторично приглашал труппу, то пытался привлечь чешских актеров. Но обе попытки Петра не имели успеха.

Школьный театр

Театр, возникший в учебных заведениях Западной Европы в эпоху средневековья как средство изучения латинского языка и воспитания; впоследствии был использован для утверждения католицизма и протестантизма. Постепенно спектакли стали разыгрываться на национальных языках. Ставившаяся в Ш. т. школьная драма носила характер мистерии или миракля, моралите или пьесы на исторические и мифологические сюжеты.

Театр 18 века

Европейский театр XVIII в. был прежде всего, театр актеров. Он находился во власти индивидуальных исполнителей. Для их специфических талантов многие драматурги и создавали свои произведения. Часто сами актеры переделывали классиков, чтобы удовлетворить собственные вкусы и выразить индивидуальный стиль исполнения. Пьесы Шекспира, особенно часто изменялись, при этом старались угодить не только вкусам актеров, но также и соответствовать классическим идеалам справедливости и добра. Иногда это приводило к курьезам. «Королю Лиру», «Ромео и Джульетте», например, давали счастливые окончания. Но реакция против неоклассицизма постепенно увеличивалась, в значительной степени из-за появления среднего класса. Такие драматурги как Лессинг, Мариво, Лилло писали «средние» драмы, т.е. изображали характеры более низкого, среднего класса в более или менее реалистических и упрощенных ситуациях, в которых совершенство неизменно одержало победу. Эти пьесы были известны под разными именами: внутренняя драма, слезная комедия, сентиментальная драма. В письменной форме и постановке, увеличивалось внимание к реалистической детали и исторической точности, хотя эти элементы не использовались с полной последовательностью до конца XIX века.

11) Рождение первого русского театра (Сумароков, Дмитриевский).

Будущий основатель первого русского профессионального театра родился в Костроме, детство и юность провел в Ярославле. Его отчим, богатый и предприимчивый купец Полушкин, видел в юноше своего приемника и помощника, а потому старался дать основательное образование. Федор три года учился в Заиконно-Спасской Академии, а по возвращении стал помогать отчиму в торговых и заводских делах. Все он выполнял с усердием и вниманием, но ум и душу его занимало иное – его манили подмостки театра. В душе теплилась искра, зажженная то ли впечатлением от комедии, виденной на городской текст украден ярмарке, то ли участием в ученических спектаклях в Академии. Через три года по торговым делам и для обучения коммерческому ремеслу Федор был отправлен в Петербург, где молодому человеку удалось увидеть итальянскую оперу. Здесь он будто бы очутился на небесах, искорка страсти к искусству вспыхнула мыслью создать свой театр. Посещения спектаклей в придворном театре и кадетском корпусе стали для Волкова «университетами», где он познавал искусство сцены.

Вскоре после возвращения Федора в Ярославль, его отчим умер, оставив пасынкам управление заводами. Но стремление к сцене заставляло Волкова забывать о торговых делах – не потехи ради задумывал он театр, а хотел достичь сути искусства, чтобы сценическое действо рождало в зрителе трепетные чувства и мысли, делало его добрее, смягчало душу

Сначала он и братья разыгрывали пьесы в своей комнате, а потом они вместе с несколькими молодыми ярославцами устроили театральные подмостки в кожевенном амбаре, соорудили места для зрителей. Федор был вдохновителем и руководителем дела, а также автором музыки и декораций, режиссером, актером и машинистом сцены. В июне 1750 года было дано первое публичное представление. Играли драму «Эсфирь», переведенную Федором с немецкого. Присутствующие были поражены правдивой игрой актеров, которая «пронимала душу», организацией спектакля, двигающимися декорациями.

Невиданная забава заинтересовала ярославцев, среди купцов и дворян нашлись меценаты, пожертвовавшие средства на устройство более удобного театра. Присоединив к этим деньгам часть своего состояния, Ф. Волков устроил театр в деревянном доме, вмещавший тысячу зрителей, завел билетное хозяйство. Репертуар театра составляли переводные пьесы и оперы, трагедии Сумарокова, бытовые комедии, написанные Федором. Давняя греза стала реальностью – храм Мельпомены процветал на ярославской земле.

Молва о провинциальном театре, организованном купцом Ф.Волковым, достигла ушей императрицы Елизаветы Петровны, и ее велению труппу из 14 ярославцев перевезли в Петербург, где они сыграли перед высочайшими очами трагедию «Хорев». Государыня была очень довольна и повелела оставить актеров при дворе, выдавать жалование и отдать для обучения наукам в кадетский корпус. Вскоре был учрежден русский придворный театр, в труппу которого вошли ярославцы и певчие кадетского корпуса, основное руководство было отдано Сумарокову, а Волков стал главным актером и душой театра. Первый русский профессиональный театр, созданный гением Волкова в провинции, развивался теперь под государственным покровительством.

Так театр Федора Волкова воплотил мысль Петра Первого о публичном театре и стал первым общедоступным русским профессиональным театром, в отличие от частных дворянских и школьных театров. Русская сцена получила первых профессиональных актеров, которые силой своего таланта и священным отношением к искусству снискали уважение современников к сценической деятельности. По сей день русская драматургия стремится к естественности и правдивости актерской игры, трогает сердца, волнует мысли, опираясь на традицию, заложенную Волковым..

12)Домашний театр. Крепостной театр.

Крепостные театры

П. Б. Шереметев

Явившись на первых порах забавой двора, крепостной театр тогда же получил распространение и среди близко стоявшего ко двору боярства. Уже при Алексее Михайловиче боярин Матвеев устроил в своем доме театр вроде царского. Его примеру последовали боярин Милославский, получивший вследствие этого прозвание «потешного», кн. Як. Одоевский и любимец царевны Софьи кн. В. В. Голицын. Даже одна из приближенных боярынь царевны Софьи, Т. И. Арсеньева, устраивала у себя в доме театральные зрелища, на которых актёрами являлись её барские люди и барские барыни. В Петербурге уже во времена Елизаветы существовали театры в доме гр. Ягужинского и гр. Петра Шереметева. Этот обычай богатых вельмож заводить у себя постоянные домашние театры сохранялся очень долго.

Домашние театры при дворе и у знатных бояр способствовали появлению на сцене женщин (уже в теремах царевны Софии).

Репертуар этих театров составляли, как правило, произведения европейских авторов и музыкантов, в первую очередь французских и итальянских: композиторов Моцарта, а также литературные драмы французских классицистов (Жан-Жак Руссо, Дени Дидро). Однако уже появлялись и русские авторы.

13) Театр русского классицизма. Классицизм.

Театр классицизма

Классици́зм (фр. classicisme, от лат. classicus — образцовый) — художественный стиль и эстетическое направление в европейском искусстве XVII—XIX вв.

В основе классицизма лежат идеи рационализма, которые формировались одновременно с такими же идеями в философии Декарта. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное, неизменное — в каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства (Аристотель, Гораций).

Классицизм устанавливает строгую иерархию жанров, которые делятся на высокие (ода, трагедия, эпопея) и низкие (комедия, сатира, басня). Каждый жанр имеет строго определённые признаки, смешивание которых не допускается.

Как определенное направление сформировался во Франции в XVII веке. Французский классицизм утверждал личность человека как высшую ценность бытия, освобождая его от религиозно-церковного влияния.

Основателем поэтики классицизма считается француз Франсуа Малерб

Ведущими представителями классицизма в драматургии стали трагики Корнель и Расин

Сатира (Буало), комедия (Мольер 1622—1673).

Классицизм в России развивался под большим влиянием Просвещения — идеи равенства и справедливости всегда были в фокусе внимания русских писателей-классицистов. Поэтому в русском классицизме получили большое развитие жанры, предполагающие обязательную авторскую оценку исторической действительности: комедия (Д. И. Фонвизин), сатира (А. Д. Кантемир), басня (А. П. Сумароков, И. И. Хемницер), ода (Ломоносов, Г. Р. Державин).

В связи с провозглашённым Руссо призывом к близости к природе и естественности в классицизме конца XVIII века нарастают кризисные явления; на смену абсолютизации разума приходит культ нежных чувств — сентиментализм. Переход от классицизма к предромантизму ярче всего отразился в немецкой литературе эпохи «Бури и натиска», представленной именами И. В. Гёте (1749—1832) и Ф. Шиллера (1759—1805), которые вслед за Руссо видели в искусстве главную силу воспитания человека.

Основные правила классицизма. И высокие жанры, и низкие обязаны были наставлять публику, возвышать ее нравы, просветлять чувства. В трагедии театр учил зрителя стойкости в жизненной борьбе, пример положительного героя служил образцом нравственного поведения. Герой, как правило, царь или мифологический персонаж являлся главным действующим лицом. Конфликт между долгом и страстью или эгоистическими желаниями обязательно решался в пользу долга, даже если герой погибал в неравной борьбе.

В 17 в. господствующей стала идея, что только в служении государству личность обретает возможность самоутверждения. Расцвет классицизма был обусловлен утверждением абсолютной власти во Франции, а позже и в России.

Важнейшие нормативы классицизма – единство действия, места и времени – вытекают из тех содержательных предпосылок, о которых шла речь выше. Чтобы точнее донести до зрителя мысль и вдохновить на самоотверженные чувства, автор не должен был ничего усложнять. Основная интрига должна быть достаточно простой, чтобы не путать зрителя и не лишать картину цельности. Требование единства времени было тесно связано с единством действия, и в трагедии не происходило много разнообразных событий. Единство места также толковали по разному. Это могло быть пространство одного дворца, одной комнаты, одного города, и даже расстояние, которое герой мог преодолеть в течение двадцати четырех часов. Особо смелые реформаторы решались растянуть действие на тридцать часов. Трагедия должна иметь пять актов и быть написана александрийским стихом (шестистопным ямбом).

Высшим жанром классицизма считалась трагедия. Она должна была быть написана в стихах и строилась на правиле «трех единств -времени, места и действия. Основой конфликта трагедии было столкновение долга и чувства. Трагедия писалась высоким штилем, героическим добродетельным персонажам противостояли злодеи, попиравшие нормы морали и общественные законы. Образцы жанра дали французские трагики XVII в.-П. Корнель и Ж. Расин. Большинство сюжетов они черпали в античной истории.

Русский Расин

Создателем высокой классицистской трагедии в русской литературе стал Александр Петрович Сумароков (1717-1777). Он ориентировался на французских трагиков, однако строил большинство своих пьес на русском историческом материале. В его произведениях правитель-деспот противопоставлен подданным, которых он вынуждает страдать.

В трагедии «Димитрий Самозванец» (1770) изображается борьба добродетельных и любящих отечество русских вельмож против тирана, захватившего русский престол и унижающего достоинство граждан. Димитрий Самозванец нарисован только черной краской, его противники-только светлыми, что характерно для образной системы классицизма.

Всего Сумароков написал девять трагедий. Во всех них изображен конфликт между долгом и страстью, соблюдаются три единства, количество героев сокращено до минимума. Одно время он также был директором Российского театра и лично занимался постановками и обучением актеров.


7241379518510974.html
7241470086474811.html

7241379518510974.html
7241470086474811.html
    PR.RU™